El gato desaparece

jueves, noviembre 24, 2016
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El gato desaparece es una obra que se nos presenta como ajena y extraña dentro de la filmografía del argentino Carlos Sorín, director con obras muy apegadas al género road movie











Por: María Fernanda Espinosa

El gato desaparece es una obra que se nos presenta como ajena y extraña dentro de la filmografía del argentino Carlos Sorín, director con obras muy apegadas al género road movie, siempre trabajando con actores naturales y guiones muy sencillos pero cargados del elemento de la esencia profunda y humana de la “gente del común”.

Así fue como Sorín nos acostumbró a esa narración humilde pero grande en contenido, en películas como “Historias mínimas” (2002), “El camino de San Diego” (2006); y “El perro” (2004); donde el protagonista indiscutible era el universo interno, el alma de un ser humano cualquiera con quien todos, de una u otra manera lográbamos una cercana identificación en el sentir.

En esta oportunidad Carlos Sorín decide internarse en el género del suspenso en una historia oscura narrada desde la paranoia, los miedos y los conflictos internos que desdibujan una personalidad de su “normalidad”, conjurándose finalmente en actos de violenta incoherencia.
La historia inicia exponiéndonos el antecedente clínico de Luis, un profesor de cátedra quien tras haber experimentado un grave episodio sicótico y paranoide que no solo puso en riesgo la seguridad de su esposa sino de su mejor amigo, es dado de alta por sus médicos tras lo que parece una clara recuperación en su estado mental.
Evidentemente este hecho se traduce en la intranquilidad de Beatriz su esposa, quien aún dándole una cariñosa bienvenida al hogar adopta un carácter suspicaz al creer que su marido aún conserva algo extraño e incluso siniestro en su comportamiento.


A pesar de que todo parece regresar a su cauce y que nadie alrededor nota algo anormal en el profesor, sus sospechas ansiosas se incrementan tras la desaparición de Donatello, la mascota familiar, un gato negro que sale de control mostrando gran nerviosismo tras el regreso de su dueño, atacándolo con sus garras y dientes cuando este trata de acercase a él. Tras este episodio Salomón desaparece del hogar haciendo de la vida de Beatriz una pesadilla creciente donde la ausencia del animal solo traduce la inquietud de creer convivir con una amenaza latente.


La película transcurre en medio de la sospecha, y la narración apunta a darnos pequeñas pistas de un misterio que parece enredarse más dentro de un estado mental agitado que dentro de su misma realidad. Es así como de manera inteligente el guión de Sorín no devela verdaderos culpables, ni siquiera apunta a la certeza de un crímen cometido. Tal como a sus personajes, la trama entera transcurre solo en eventos que imaginamos, que inferimos, que intuimos desde la pobreza de pistas y rastros que no concluyen nada certero. Es en este hecho que tiene su plus la película “El gato desaparece” donde una narración pensada y metódica atrapa al espectador en la curiosidad de internarse más en el misterio y en su solución, enredándonos de tal manera que la trama nos torna tan paranóicos como su febriles personajes.

La historia tiene una clara raíz en el cuento de Edgar Allan Poe “El gato negro” , donde es este animal la proyección en quien recaerá todo delirio de su protagonista.
Sin embargo Sorín se equivoca en la puesta en escena que elige para contar su historia.


El director pretende hacer una narración tranquila, apegada a la expresión humana que se trasluce entre textos y diálogos codianos, sin pretensiones, sin metáforas, sin subtexto pero reveladores. Esta carácterística se presentaba como perfecta narrativa en su anteriores películas, de manera que llegó a establecerse como el estilo del director. Sin embargo en esta película se requería, por su temática, y su género, una narración que implicara más fuerza en los diálogos haciéndolos más entramados para reforzar el misterio que quería transmitirse.

El guión está buien construido y sin embargo la película queda atascada en lo formal, en su estilo. Los personajes necesitaban ser dibujados con mayor carácter y fuerza sustentándose en sus acciones para hacerlos más contundentes a la mirada cómplice y curiosa del espectador. Al final de todo sus dos protagonistas son los únicos en quienes está la fuerza de la trama ya que los personajes secundarios son irrelevantes y solo funcionan en apoyo de la continuidad de la historia.
Así mismo el arte y la fotografía no parecen estar narrando el misterio y carácter paranoico que encierra el guión.

Sin embargo ha sido una muestra de coraje por parte de Sorín abarcar un género que no le es propio; es en esta clase de exploración en lo foráneo lo que finalmente tiñe de diversidad a un director.
Sus dos últimas películas, "La ventana" y "El gato desaparece", no han sido sus mejores obras. Pareciera que el director aún no se mueve con fluidez en un medio narrativo que le es extraño y, sin embargo, aún podemos percibir a ese Carlos Sorín que cuenta historias y revela almas.

El gato desaparece es una historia bien contada y entretenida, que aunque no llena todas las expectativas que despierta el género y el director, es una pieza para disfrutar y dejarse llevar en un pequeño sueño en el cuál sentirse perseguido.



EL GATO DESAPARECE

País: Argentina
Año: 2011
Director: Carlos Sorín
Guión: Carlos Sorín
Reparto: Luis Luque, Beatriz Spelzini, María Abadi, Norma Argentina
Productor: Patricia Bustamante, Alejandro Cacetta, Juan Pablo Galli, Juan Vera
Dirección de fotografía: Julián Apesteguia
Dirección de arte: Margarita Jusid
Montaje: Mohamed Rajid
Música Original: Nicolás Sorín 


Buscando a Eric

jueves, noviembre 24, 2016

“Todo empezó con un hermoso pase de Cantona”. Es con esta frase que la película “Buscando a Eric” (2009) da inicio, y es justamente esta frase la que mejor describe la trama del nuevo filme del director inglés Ken Loach.



Por: María Fernanda Espinosa

Imágenes: Cortesía Babilla Cine

“Todo empezó con un hermoso pase de Cantona”. Es con esta frase que la película “Buscando a Eric” (2009) da inicio, y es justamente esta frase la que mejor describe la trama del nuevo filme del director inglés Ken Loach. Eric Bishop es un cartero residente en Manchester quien acaba de sufrir un accidente que lo lleva a mirarse a sí mismo y al transcurrir de su vida. En primera instancia, Eric atravesará por un periodo depresivo del cual sus compañeros de trabajo y de jornadas futboleras y siempre amigos, trataran de sacarlo a partir de diversos métodos que, aunque torpes en ejecución, siempre conllevan el ánimo de ayuda de un verdadero amigo.
Sin embargo, y a pesar de los esfuerzos de sus congéneres, Eric no logra salir de su estado de caos mental y anímico. Es allí cuando, producto de su mente agotada y acorralada aparece ante él nada menos que su ídolo de siempre: Eric Cantona, ex - jugador y héroe del victorioso “Manchester United”. Cantona aquí llegará a cumplir la función de amigo imaginario, aquel que no sólo acompaña, sino que también aconseja, un “pepe grillo” en función de conciencia quién dirá las palabras justas y que aportará las mejores ideas para la acción. Es así como Cantona hará sus mejores pases en la vida de Eric. La película, casi en su totalidad está planteada en un tono de suave comedia, sin mayores pretensiones que la de contar, a manera de anécdota, una vida que podría ser la de cualquiera de nosotros. Sin embargo El film da un giro que significa un cambio no sólo para la trama sino para el ritmo que desde el principio nos es sugerido. La historia adquiere un tinte dramático e inusual que nos saca de la manera casual en que se nos está contando la historia para enfrentarnos con hechos que para el hilo que llevamos, se presentan absurdos y sin fundamento y que, aunque es obvio que se hace en un intento de desarrollar la historia y de darle un camino específico, no se llega a un objetivo claro. Aun a pesar de este hecho, la película logra llegar a ser entrañable por la riqueza de sus personajes, cada uno matizado con particularidades propias, detalles que significan la seducción al espectador y el latido que le otorga vida a este filme. Esta película significa un cambio en el tono dramático en que tradicionalmente Loach cuenta sus historias, haciendo un denuncio de las problemáticas que vive la clase trabajadora de su país.
La película más recordada de este cineasta es tal vez aquella ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes del 2006, “El viento que acaricia el prado” filme que aborda la lucha de un grupo de campesinos que por presiones llega a formar parte del grupo armado irlandés IRA, con las consecuencias que derivan de ello como parte de la trama.
De esta manera es como “Buscando a Eric” se presenta como casi una rareza dentro de la filmografía de Loach, quien como último término nos entrega una comedia ligera y cargada de matices humanos que aunque también nos deja una visión dura de la realidad de las familias de la clase trabajadora inglesa, no por eso deja de ser una de esas películas para reir y reconciliarse con la vida. Es también de resaltar la particular actuación del propio Eric Cantona quien se interpreta a sí mismo, lejos de la imagen rebelde y problemática que muchas veces mostró este jugador dentro de la cancha, y que en la película se nos da como un ser afable, humano, y poseedor de una especie de sabiduría práctica de la vida.
Como plus para los espectadores amantes del fútbol, la película es complementada con una serie de imágenes documentales de fragmentos gloriosos de la vida deportiva de Cantona dentro de la cancha del “Manchester United”. “Buscando a Eric” pretende por medio de la metáfora del fútbol mostrarnos una manera de concebir la vida, dándonos a otros, siendo parte de una comunidad que crea lazos, construyendo amistad y camaradería, haciéndose fuerte por el poder de la unión y del consenso, entregándonos aquello que se nos presenta tan fundamental en nuestra necesidad inherente de pertenecer a algún lugar, de ser parte de algo. Así es como la película, al igual que el futbol, es un ejercicio que trata el cómo “ser” en equipo, de afrontar los problemas en compañía, valiéndose de esos otros, esos llamados “amigos” que finalmente son quienes nos sustentan y nos dan un nuevo respiro, quienes dan luces y orientan, lanzándonos ese pase que nos lleva al gol que significan los pequeños triunfos de la vida.



LOOKING FOR ERIC
País: Reino Unido
Año: 2009
Director: Ken Loach
Guión: Paul Laverty
Reparto: Steve Evets, Eric Cantona, Stephanie Bishop, Gerard Kearns, Stefan Gumbs, Lucy-Jo Hudson, Cole Williams, Dylan Williams, Matthew McNulty, Laura Ainsworth
Productor: Tim Cole
Dirección de fotografía: Barry Ackroyd
Música: George Fenton
Montaje: Jonathan Morris
Premios: - John Henshaw (Meatballs), ganador a mejor actor secundario en el “British Independent Film Award” - Nominación a mejor película en el “Cannes Film Festival” - Steve Evets (Eric Bishop), nominado a mejor actor principal en el “European Film Award” 


Frost/Nixon

jueves, noviembre 24, 2016

Una de las mayores vergüenzas en la historia política de los Estados Unidos la constituyó la renuncia de Richard Nixon a la presidencia de esta nación en 1974, a consecuencia del escándalo que significó “Watergate”. Se trata de un episodio bochornoso no sólo por las ya graves implicaciones que tenían las grabaciones publicadas, sino porque luego de la renuncia, Nixon lograría evadir el juicio que legalmente le correspondía, librándose así de asumir y pagar por la culpa y responsabilidades que por el hecho se le imputaban.



Por María Fernanda Espinosa
Una de las mayores vergüenzas en la historia política de los Estados Unidos la constituyó la renuncia de Richard Nixon a la presidencia de esta nación en 1974, a consecuencia del escándalo que significó “Watergate”. Se trata de un episodio bochornoso no sólo por las ya graves implicaciones que tenían las grabaciones publicadas, sino porque luego de la renuncia, Nixon lograría evadir el juicio que legalmente le correspondía, librándose así de asumir y pagar por la culpa y responsabilidades que por el hecho se le imputaban.
La película “Frost / Nixon”, dirigida por el reconocido Ron Howard (“Código Da Vinci”, 2006; “Una mente brillante”, 2001) basada en la obra teatral del dramaturgo Peter Morgan donde sus dos protagonistas interpretan sus mismos papeles protagónicos dentro del film, narra la historia de la famosa entrevista donde estos dos hombres se enfrentarían cara a cara y donde Nixon haría evidentes aquellos errores cometidos durante su administración.
David Frost, animador de televisión de procedencia australiana, era famoso en su país gracias a varios programas de entretención, entre ellos algunos talk show de mediana calidad pero muy reconocidos dentro del público.

Después del escándalo presidencial, Frost busca la manera de lograr una entrevista con el ex presidente, de manera que esto le permita ganar fama y sobre todo respeto dentro de Norteamérica. A tiempo, Nixon y su equipo, deciden concederle la entrevista a este desconocido extranjero esperando que su falta de experiencia en este tipo de encuentros le permitan al vilipendiado ex presidente tomar el control del diálogo, manipulando así la opinión pública a su favor. Nixon esperaba poder justificar sus actos, restándole importancia y ganando de nuevo el favoritismo del público de manera que esto le permitiera tener una nueva cabida dentro del mundo político, al tiempo que ganaba una muy buena cifra por conceder los derechos del encuentro a Frost.
De esta manera es como una entrevista se convierte en todo un duelo donde estos dos hombres buscaban engrandecerse, ganar el suficiente respeto y credibilidad que les permitiera hacerse una carrera ya que para ese momento ninguno de los dos gozaba de la confianza de su público.

Así es como esta película se centra en los esfuerzos de estos hombres por conseguir la victoria del encuentro, así como sus motivos y la manera en que sus vidas y carreras se encuentran afectadas. De la misma forma es inevitable establecer un foco de atención en la personalidad de Nixon quien de manera desvergonzada parecía hacer caso omiso del terrible suceso que protagonizó y del descrédito que este escándalo significó para la casa blanca y su imagen y credibilidad ante el mundo entero.

Sin embargo el relato de la histórica entrevista no enmascara el drama de Nixon al verse derrotado en un rotundo fracaso político que nunca superaría y que lo harían el hazmerreír de toda una nación por décadas enteras acabando con su ansia de ser visto como un estadista o pensador.

Al contrario de sus deseos, la imagen que el público tenía era la de un hombre torpe y algo pusilánime además de sínico, al no haber enfrentado con dignidad y altura la responsabilidad de su error.
La película logra mostrar el duelo casi como si de un round boxístico se tratara, con cada peleador en su esquina listo a ser iluminado por
reflectores que marcaran el inicio de la lucha y asistidos por un entrenador que ponía cada movimiento, cada palabra en ellos como un juego estratégico en el que adquirir la ventaja podría significar el triunfo.
De esta manera es como Nixon logra eludir las preguntas con la narración de eternas anécdotas que desviaban la atención que y lograban gastar el tiempo designado a cada sesión de preguntas.
Sin embargo y al no poder dar una explicación coherente a los resultados de la exhaustiva investigación del equipo de Frost, el ex presidente terminaría por traicionarse justo en el último round, emitiendo aquellas famosas palabras que aún siguen siendo la vergüenza del país más poderoso del mundo, aquella infamia que el eufemismo nunca pudo ocultar bajo la alfombra: “si lo hace el presidente significa que no es ilegal”, frase que de inmediato confirmaría el abuso del poder cometido bajo su mandato.
Estas palabras significaron para Nixon la total derrota, la entrega de su cadáver político a la opinión pública, tan deseosa de una confesión que aliviara la frustración e incredulidad por un gobierno de mentiras, tan alejado de sus falsas premisas democráticas.Este hecho marcaría el destino de cada uno los contendientes: la victoria de Frost encumbraría du carrera al otorgarle el respeto de sus compañeros periodistas y consiguiendo para él la fama que tanto deseaba. Paralelamente Nixon estaría marcado por el exilio y la vergüenza, derrota que nunca lo dejaría volver a la vida pública.




FROST / NIXON
País: Reino Unido, Estados Unidos, Francia
Año: 2008
Director: Ron Howard
Guión: Peter Morgan
Reparto: Frank Langella, Michael Sheen, Sam Rockwell, Kevin Bacon
Productor: Ron Howard, Brian Grazer, Tim Bevan, Eric Fellner
Fotografía: Salvatore Totino
Montaje: Daniel P. Hanley, Mike Hill
Música: Hans Zimmer
Nominado 5 Oscar: Mejor película, Mejor director, Mejor Actor principal (Frank Langella)
Mejor guión adaptado, Mejor montaje 


3:10 a Yuma

jueves, noviembre 24, 2016


3:10 a Yuma es el reencauche de la película de genero western del año 1957 que dirigiera Delmer Daves. En esta oportunidad la dirección es asumida por James Mangold, en una película protagonizada por Russell Crowe y Christian Bale.


Por: María Fernanda Espinosa
Imágenes: Cortesía Cine Colombia

3:10 a Yuma es el reencauche de la película de genero western del año 1957 que dirigiera Delmer Daves. En esta oportunidad la dirección es asumida por James Mangold, en una película protagonizada por Russell Crowe y Christian Bale.
Como todo western esta filme trata sobre la forma en que los hombres de la época tenían que hacerse rudos por las duras condiciones de vida que tenían que enfrentar, además de las constante violencia que se vivía pro aquellos días.
Dan Evans, (Christian Bale) es un ranchero a punto de perder sus tierras a causa de deudas que no puede pagar. La sequía y la mala suerte han hecho que este hombre, quien perdió una pierna a causa de un disparo, llegue a aceptar un peligroso encargo a cambio de obtener una jugosa recompensa que sacie el apuro de sus acreedores.
Así es como enfrentará el reto de llevar al temido asesino Ben Wade (Russell Crowe) hasta un poblado en donde el tren a yuma transportara al delincuente hasta su lugar de ejecución. Sin embargo, en el camino tendrá que en enfrentarse a la temida banda de forajidos que Wade lidera.
Es común dentro del género del western, presentar historias donde los personajes actúan bajo sus propias reglas éticas, convicciones tan arraigadas que a pesar de resultar asesinos, llevan en si un código de honor al cual se apegan fielmente. Es así que estos personajes llegan a convertirse en verdaderos íconos resultando inolvidables para el gran público seguidor de este género.
En esta nueva versión de 3:10 a Yuma, se destaca la interpretación de su protagonistas, Bale y Crowe; sin embargo a la película le falta algo de la fuerza y el carácter propios de las clásicas películas del oeste. Y aunque Hollywood parecería estar intentando un resurgimiento del género, a juzgar por las diversas películas western estrenadas en el último tiempo, los intentos se han visto opacados tanto por la falta de buenas historias así como por un bajo interés por parte del público. Aún dentro de este panorama, 3:10 a Yuma ha logrado obtener grandes éxitos de taquilla, y aunque si bien es cierto que no logra alcanzar a su predecesora, si es de admitirse que la película alcanza logros por sí misma.
De esta manera es como debemos ver este film abstrayéndolo de la sombra de la película de 1957, reconociéndola como un nuevo y bien logrado aporte dentro del renacimiento western




3:10 TO YUMA
País: Estados Unidos
Año: 2007
Director: James Mangold
Guión: Halsted Welles, Michael Brandt, Derek Haas
Reparto: Russell Crowe, Christian Bale, Ben Foster
Productor: Cathy Konrad
Dirección de fotografía: Phedon Papamichael
Dirección de arte: Greg Berry
Montaje: Michael McCusker
Nominada a 2 Oscar: Mejor banda sonora, mejor sonido 

Bolt

jueves, noviembre 24, 2016
“Bolt” es un perro normal quien protagoniza una serie infantil para televisión, donde goza de potentes super poderes que usa para proteger a su amiga Penny, al tiempo que emprende la búsqueda de su padre, un científico que ha sido secuestrado por el malvado Dr. Cálico.
                                                                                                                                    
                                                                                                                                                                


 















Por: María Fernanda Espinosa
Imágenes: Cortesía UIP

“Bolt” es un perro normal quien  protagoniza una serie infantil para televisión, donde goza de potentes super poderes que usa para proteger a su amiga Penny, al tiempo que emprende la búsqueda de su padre, un científico que ha sido secuestrado por el malvado Dr. Cálico.El único problema es que los productores de la exitosa serie deciden engañar a Bolt, haciéndole creer que todo aquello vivido dentro de la trama de la serie, corresponde a su realidad.El giro llega precisamente cuando por una serie de sucesos, Bolt se pierde en una ciudad muy lejana a su hogar, razón por la cual emprenderá un viaje de regreso en busca no sólo de su casa sino de él mismo.
Al  enfrentar el mundo real, Bolt tendrá que aprender cómo asumir la vida siendo un perro normal, abstraído de cualquier poder o habilidad especial, más que su voluntad y esfuerzo.
Como es tradicional en esta clase de relatos, en el camino recorrido, Bolt encontrará a varios personajes; esta vez un gato callejero, un hámster sobrealimentado y unas despistadas palomas, personajes que tendrán como objetivo el ayudar al perro a recobrar el rumbo y significado perdido de su vida al enterarse de la verdad.
Esta película es una historia recreada por Disney, ya lejos de la exitosa dupla que conformó por varios años al lado de Pixar generando grandes éxitos de taquilla.
Disney parece haber aprendido de Pixar varias valiosas lecciones. La técnica usada en esta nueva película de animación es tan perfecta como sus predecesoras, haciendo un buen trabajo en los detalles y sutilezas, factores que al final son los que hacen creíble una película.
De la misma manera hacen buen uso del 3d, que parce estar de nuevo en boga, en una explosión de nuevas películas animadas y recreadas usando efectivamente esta técnica que cada vez parece perfeccionarse más.
Sin embargo,  y como es tradicional dentro del mundo animado de Disney, la historia de esta película está dirigida a un público infantil, a diferencia de aquellas producciones realizadas al lado de Pixar donde las historias parecían pensadas para un público más adulto, aún sin olvidarse de los niños. Bolt es una película sencilla, sin mayores pretenciones, que trata una historia muy común a esta clase de films y es precisamente por esta razón que en ocasiones puede parecer repetida.
Este es el caso del perro, personaje principal, quien está convencido de poseer aquellos maravillosos poderes que para él inventaron los creativos guionistas de la serie que protagoniza, hecho que fácilmente nos recuerda a ese Buzz Lightyear de la exitosa película Disney/Pixar “Toy Story” (1995), personaje que al igual que Bolt creía poseer habilidades especiales concedidas tan sólo dentro de una serie televisada donde él era protagonista.
De la misma manera los personajes que aparecen dentro de la trama parecen algo estereotipados, respondiendo a todo aquello que uno esperaría encontrar dentro de esta clase de películas, incluyendo todos los valores y enseñanzas que la historia pretende dejar para sus pequeños espectadores.
Por esta razón es que la película “Bolt” no parece presentar mayores aportes en cuanto a narrativa o guión, radicando su mayor logro precisamente en la técnica de animación y 3d, mundo tecnológico que ha mostrado grandes y rápidos avances hasta el punto de ser una herramienta indispensable a la hora de la realización de cualquier film en la actualidad.


BOLT
País: Estados Unidos
Año: 2008
Director: Chris Williams, Byron Howard
Guión: Dan Fogelman, Chris Williams
Reparto: John Travolta, Susie Essman, Mark Walton, Miley Cyrus
Productor: Clark Spencer, John Lasseter
Música: John Powell
Edición: Tim Mertens 

karate kid

jueves, noviembre 24, 2016
K

Karate kid (John G. Avildsen, 1984), sería en su época una película de gran importancia reverenciada por miles de fanáticos adolescentes que crecieron con las enseñanzas de Mr. Miyagi (Pat Morita), con tal éxito en taquilla que generaría toda un franquicia que entregaría 3 películas más (Karate Kid 2, 1986; Karate Kid 3, 1989; The Next Karate Kid, 1994).




Por María Fernanda Espinosa
Karate kid (John G. Avildsen, 1984), sería en su época una película de gran importancia reverenciada por miles de fanáticos adolescentes que crecieron con las enseñanzas de Mr. Miyagi (Pat Morita), con tal éxito en taquilla que generaría toda un franquicia que entregaría 3 películas más (Karate Kid 2, 1986; Karate Kid 3, 1989; The Next Karate Kid, 1994).
En el 2010, en pleno auge de los remakes hollywoodenses, producto de una profunda crisis de guionistas que viene afectando por largo tiempo a la industria cinematográfica americana, surge esta nueva adaptación del clásico Karate Kid, esta vez dirigida por Harald Zwart (Agent Cody Banks,
2003; The Pink Panther 2, 2009), y protagonizada por Jackie Chan y Jaden Smith (The pursuit of happyness, 2006), hijo del también actor Will Smith quien hace las veces de productor en este filme.
Esta nueva versión ocurre en China donde Dre Parker y su madre Sherry (Taraji P. Henson) llegan con el fin de hacer una nueva vida. Allí, Dre no sólo tiene que adaptarse a una nueva cultura sino que tendrá que aprender a asumir su adolescencia con todos los problemas que ella implica, incluyendo la tenaz rivalidad con un joven de su edad que no cesa de golpearlo y humillarlo, con la violencia como su único medio de interacción, modo que ha aprendido de su maestro de Kung Fu quien establece como regla el no tener piedad ni compasión por el contrincante. Sin embargo, y en contraposición, Dre encontrará en su amigo y maestro Mr Han, las enseñanzas de un arte marcial que se practica con honor y no es busca de la venganza y la pelea.

Este remake cuenta con varios cambios de fondo que sin embargo no son aprovechados, dejando a la película como un mediocre filme, resultado que parece ser común dentro de los reencauches que en demasía parecen hacerse hoy en día. Así es como a diferencia de la película del 84 que se desarrollaba en territorio norteamericano, esta película tiene su contexto en el país chino exquisito en historia, tradiciones y que goza de una cultura contrastante con la occidental. Este hecho pudo convertirse en una metafórica base del conflicto interno que vive el personaje en su paso de niño a adolescente, al sentirse extraviado en medio de dos mundos, casi exiliado de todo lo que conoce. Sin embargo el contraste cultural queda en total omisión, así como las costumbres y tradiciones que se traducen en diversos eventos como festivales o incluso dentro de su arquitectura e historia y que en la película son mostrados casi al margen, siendo reducidos a simples anécdotas de las experiencias que el niño tiene dentro de su nueva vida.
De la misma forma es desperdiciado el contexto al marginar al Kung fu, arte marcial nacido en China y cargado de filosofía, no sólo de la pelea sino de la vida misma, a frases retóricas que son repetidas sin más por Mr. Han, maestro de Dre, interpretado por Jackie Chan en una actuación que, aunque aceptable, no es ni un mínimo reflejo de la caracterización que en su tiempo haría Pat Morita del apreciable Mr. Miyagi, personaje que todos los fanáticos del film recuerdan con nostalgia.
Las enseñanzas y técnicas del Kung Fu son presentadas tan sólo en secuencias musicalizadas que muestran el progreso del protagonista como peleador, recurso tan frecuentemente usado en Hollywood que por acto de repetición ya carece de toda emoción. Hay que anotar que a diferencia del primer filme, será el kung fu el arte marcial a exponer, lo que ha suscitado diversas críticas que han llevado a cambiar el nombre de la película a “Kung Fu Kid” para ser presentada en territorio oriental.
De la misma manera, dentro de esta historia hay un cambio sustancial de tono. La película de 1984 es presentada a un target adolescente, de manera que la trama se presenta como excusa para mostrar como Daniel Larusso, personaje protagonista, aprende a asumir su nueva adultez con una toma de decisión consciente y madura y que responde a propias convicciones. Este fondo es matizado por un conjunto de experiencias comunes a todo adolescente tal como el encuentro del primer amor, el enfrentamiento con compañeros, las vivencias escolares y el aprender a moverse como adulto dentro de un mundo agreste.

Así es como este film logró crear un proceso de identificación dentro del público adolescente haciendo de la película y sus posteriores secuelas todo un clásico. Sin embargo este nuevo filme ha sido despojado de este concepto mostrándonos una trama con un tono más infantil. Aunque el protagonista vive sustancialmente las mismas experiencias, las edades de los jóvenes que intervienen en la trama son menores, lo que no permite que la historia se desarrolle bajo el mismo concepto. Así es como se nos presenta extraño ver a Jackie Chan peleando con un grupo de niños, lo cual presumiría una ventaja injusta para el adulto, razón que nos despoja de la idea de una pelea entre iguales que poseía el primer filme. Así mismo, el final de la película transcurre de manera tan edulcorada que termina de inscribir al filme dentro del mundo infantil que sólo permite finales felices donde todo personaje, guiado por mágicas circunstancias se torna en bondad y entrega.

KARATE KID
País: Estados Unidos
Año: 2010
Director: Harald Zwart
Guión: Christopher Murphey
Reparto:Jackie Chan, Jaden Smith, Taraji P. Henson
Productor: Jerry Weintraub, Will Smith, Jada Pinkett Smith, James Lassiter, Ken Stovitz
Dirección de fotografía: Roger Pratt
Dirección de arte: Second Chan
Montaje: Joel Negron
Música: Michael Bauer

Rachel getting married

jueves, noviembre 24, 2016
R



El director Jonathan Demme presenta su nueva película; “Rachel getting married”, film que  se desarrolla en medio de una reunión familiar que celebra el matrimonio entre Rachel y Sidney.Kim,personaje interpretado por Anne  Hathaway, es la hermana de la novia, quien acaba de regresar a su hogar después de un proceso de rehabilitación por drogas. El conflicto se produce al tener estas dos hermanas grandes diferencias de pensamiento y personalidad, siendo Rachel de carácter controlado y maduro al contrario de su hermana menor quién es impulsiva y con gran necesidad de ser el centro de atención.


Por: María Fernanda Espinosa
Imágenes: Cortesía Columbia


El director Jonathan Demme (“El silencio de los inocentes” (1991), “Philadelphia” (1993),), presenta su nueva película; “Rachel getting married”, film que  se desarrolla en medio de una reunión familiar que celebra el matrimonio entre Rachel y Sidney.
 
Kim,personaje interpretado por Anne  Hathaway, es la hermana de la novia, quien acaba de regresar a su hogar después de un proceso de rehabilitación por drogas. El conflicto se produce al tener estas dos hermanas grandes diferencias de pensamiento y personalidad, siendo Rachel de carácter controlado y maduro al contrario de su hermana menor quién es impulsiva y con gran necesidad de ser el centro de atención. 
Por esta razón, Rachel encuentra el regreso de Kim como un inconveniente ya que su ansia de tener bajo control todo lo que la organización del matrimonio implica es obstaculizado por la desconfianza que su hermana le genera, a causa de los antecedentes de conductas inapropiadas y desproporcionadas  que podrán impedir el tranquilo y feliz desarrollo del rito matrimonial. 
Anne Hathaway, quien en el último año ha realizado gran cantidad de interpretaciones en películas que abarcan diversos géneros, se destaca en este protagónico con la imagen de una joven perdida en un mundo de confusión, necesitada de orientación y guía para enrutar su vida.

Kym, a pesar de haber logrado permanecer varios meses alejada de las drogas, vive atormentada pro todo aquello que en su pasado pudo cometer, siendo incapaz de perdonarse sus errores, en especial por la muerte de  su pequeño hermano de la cual ella es responsable. De esta manera es como su mundo se ha convertido en una constante sensación de rechazo y desconfianza afianzado por el hecho de vivir casi a la sombra de su hermana, quien se presenta como un ser perfecto, libre de grandes defectos y quien goza de una vida estable con todos aquellos elementos que la sociedad juzga como factores de éxito tales como belleza, una carrera bien lograda y sustentada,  un trabajo estable y bien pago, un matrimonio próximo a realizarse y la felicidad de un recién anunciado embarazo.
De esta manera Kym parece verse relegada a ser la oveja negra de la familia; ese personaje del cual no se siente orgullo y que poco a poco ve perdido su lugar dentro de  una familia funcional. Hathaway logra imprimir en su personaje aquellos rasgos muy típicos de aquellos adictos que parecen debatirse en un circulo autodestructivo donde sus propias palabras y acciones denotan la desesperanza ante la incapacidad de poder pertenecer a lo que se pretende como “normal”.



RACHEL GETTING MARRIED
País: Estados Unidos
Año: 2008
Director: Jonathan Demme
Guión: Jenny Lumet
Reparto: Anne Hathaway, Rosemarie DeWitt, Bill Irwin, Debra Winger, Anna Deavere Smith
Productor: Jonathan Demme, Neda Armian, Marc E.Platt
Dirección de fotografía: Declan Quinn
Música: Zafer Tawil
Montaje: Tim Squyres
Premios: Anne  Hathaway, nominada al Oscar 2008 por mejor actriz

 

Bollywood

jueves, noviembre 24, 2016
El primer referente obvio cuando se piensa en industria cinematográfica es el hollywoodense el cual no sólo deja dividendos millonarios cada año para todos los sectores a su alrededor, sino que además ha creado todo un sistema de estrellas y de estructuras bajo las cuales se mueve el cine en todo el mundo.




Por: María Fernanda Espinosa

El primer referente obvio cuando se piensa en industria cinematográfica es el hollywoodense el cual no sólo deja dividendos millonarios cada año para todos los sectores a su alrededor, sino que además ha creado todo un sistema de estrellas y de estructuras bajo las cuales se mueve el cine en todo el mundo.
Sin embargo, paralelo a esta industria existe aquella del cine realizado en la india, la cual es la segunda industria cinematográfica más rentable después de la de Estados Unidos. Comunmente, a esta se le conoce como “Bollywood” abarcando en este nombre todo aquel cine realizado en la lengua hindi, oficial de india, aunque las películas son traducidas a los otros dialectos tradicionales del país, e incluso muchas de ellas se hacen originalmente en estas lenguas.
El particular término nació durante la década de los 70’s aludiendo a una mezcla entre el nombre de la capital india Bombay (actualmente Mumbai) y la meca del cine estadounidense: Hollywood. De esa manera y gracias a la gran maquinaria bollywodense, india se ha convertido en el país donde más gente asiste a las salas de cine, en un promedio de 3 a 5 películas vistas por semana por cada persona. Estas cifras, para nada despreciables, se deben a que el cine de Bollywood ha logrado  acceder a una clara identificación con su público tocando temas muy cercanos a ellos y ofreciéndoles historias atractivas en cada film. Así es como el país indio reclama ver en cada película diferentes géneros que pasan por el romance, la acción y el suspenso, como una mezcla efectista aplicada a cada historia. De la misma manera es ya tradicional que, en el grueso de sus películas haya una historia de amor y por supuesto un final feliz para sus protagonistas. Este fenómeno se presenta ya que la población india no goza de grandes recursos y el cine es tomado por las familias de bajos estratos como el entretenimiento familiar por excelencia, ya que además implica bajos costos, pues el  compromiso de las salas de exhibición es no llevar precios muy altos a sus consumidores.

Así es como en cada film se puede ver exquisitamente reflejada la cultura india ya que en las cintas están representadas diversas facetas de su cultura incluyendo escenarios, vestidos característicos tradicionales y, lo más importante, el uso de su música particular. Por ello no es de extrañar que en la mayor parte de las películas se presente un número musical donde se muestran elaboradas coreografías impregnadas de color y ritmo. Las bandas sonoras derivadas de la película alcanzan tanta importancia que incluso algunas de ellas se usan como gancho para publicitar la película, lanzándolas antes del  estreno del film.
Sin embargo a pesar de que los indios tienen una clara preferencia por su cine nacional, no son indiferentes a la gran industria norteamericana que cada temporada tiene lanzamientos masivos y de carácter mundial con cintas de grandes y espectaculares presupuestos. La respuesta de Bollywood a este fenómeno ha sido, desde su perspectiva y métodos de producción particulares, hacer remakes de estas grandes cintas estadounidenses, acomodándolos a su presupuesto y por supuesto a su cultura. Sin embargo, de aquí han surgido grandes polémicas pues es bien conocido que los reencauches bollywoodenses son una copia casi al carbón de las películas originales, lo que ha significado demandas y enfrentamientos con productoras, ya que Bollywood  realiza las películas sin antes adquirir los derechos sobre las mismas. 
De esta manera, y en el mismo pensamiento de equipararse a la industria norteamericana, Bollywood tiene su propia “alfombra roja” en un evento que condecora a sus principales exponentes y realizaciones, en una entrega de premios al mejor estilo de los “Oscar”. Se trata de los premios Filmfare, que debe su nombre a la publicación de cine más prestigiosa de la india y quien es precisamente la firma patrocinadora del evento. Esta premiación contiene un carácter más social, ya que implica toda aquella parafernalia publicitaria y de promoción de la farándula india. Por ello se enfatiza en premiar exclusivamente aquellos filmes producidos dentro de la región india y que son votados por el público que asiste masivamente a las salas. El evento es concebido como un espectáculo, en donde además de la entrega de galardones se exhiben coreografías y bailes protagonizados por las máximas y más populares estrellas del momento, en un show lleno de luces y efectos visuales. Paralelo a esta ceremonia se realiza el National Film Awards que quizás sea el festival más importante del país, producido por las instancias culturales que el gobierno ha destinado y que se caracteriza por realizar muestras de los filmes indios de mayor contenido y calidad artísticos, que son votados por miembros de la crítica especializada. Curiosamente estos dos eventos nacieron en el mismo año de 1954, dando así fe del afán del país indio por convertirse en potencia en cuanto a industria cinematográfica se refiere.






 
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