3:10 a Yuma

jueves, noviembre 24, 2016

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3:10 a Yuma es el reencauche de la película de genero western del año 1957 que dirigiera Delmer Daves. En esta oportunidad la dirección es asumida por James Mangold, en una película protagonizada por Russell Crowe y Christian Bale.

Por: María Fernanda Espinosa
Imágenes: Cortesía Cine Colombia

3:10 a Yuma es el reencauche de la película de genero western del año 1957 que dirigiera Delmer Daves. En esta oportunidad la dirección es asumida por James Mangold, en una película protagonizada por Russell Crowe y Christian Bale.

Como todo western esta filme trata sobre la forma en que los hombres de la época tenían que hacerse rudos por las duras condiciones de vida que tenían que enfrentar, además de las constante violencia que se vivía pro aquellos días.

Dan Evans, (Christian Bale) es un ranchero a punto de perder sus tierras a causa de deudas que no puede pagar. La sequía y la mala suerte han hecho que este hombre, quien perdió una pierna a causa de un disparo, llegue a aceptar un peligroso encargo a cambio de obtener una jugosa recompensa que sacie el apuro de sus acreedores.

Así es como enfrentará el reto de llevar al temido asesino Ben Wade (Russell Crowe) hasta un poblado en donde el tren a yuma transportara al delincuente hasta su lugar de ejecución. Sin embargo, en el camino tendrá que en enfrentarse a la temida banda de forajidos que Wade lidera.

Es común dentro del género del western, presentar historias donde los personajes actúan bajo sus propias reglas éticas, convicciones tan arraigadas que a pesar de resultar asesinos, llevan en si un código de honor al cual se apegan fielmente. Es así que estos personajes llegan a convertirse en verdaderos íconos resultando inolvidables para el gran público seguidor de este género.

En esta nueva versión de 3:10 a Yuma, se destaca la interpretación de su protagonistas, Bale y Crowe; sin embargo a la película le falta algo de la fuerza y el carácter propios de las clásicas películas del oeste. Y aunque Hollywood parecería estar intentando un resurgimiento del género, a juzgar por las diversas películas western estrenadas en el último tiempo, los intentos se han visto opacados tanto por la falta de buenas historias así como por un bajo interés por parte del público. Aún dentro de este panorama, 3:10 a Yuma ha logrado obtener grandes éxitos de taquilla, y aunque si bien es cierto que no logra alcanzar a su predecesora, si es de admitirse que la película alcanza logros por sí misma.

De esta manera es como debemos ver este film abstrayéndolo de la sombra de la película de 1957, reconociéndola como un nuevo y bien logrado aporte dentro del renacimiento western

3:10 TO YUMA

País: Estados Unidos

Año: 2007

Director: James Mangold

Guión: Halsted Welles, Michael Brandt, Derek Haas

Reparto: Russell Crowe, Christian Bale, Ben Foster

Productor: Cathy Konrad

Dirección de fotografía: Phedon Papamichael

Dirección de arte: Greg Berry

Montaje: Michael McCusker

Nominada a 2 Oscar: Mejor banda sonora, mejor sonido 

Bolt

jueves, noviembre 24, 2016

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“Bolt” es un perro normal quien protagoniza una serie infantil para televisión, donde goza de potentes super poderes que usa para proteger a su amiga Penny, al tiempo que emprende la búsqueda de su padre, un científico que ha sido secuestrado por el malvado Dr. Cálico.

                                                                                                                                    

                                                                                                                                                                

 

Por: María Fernanda Espinosa

Imágenes: Cortesía UIP

“Bolt” es un perro normal quien  protagoniza una serie infantil para televisión, donde goza de potentes super poderes que usa para proteger a su amiga Penny, al tiempo que emprende la búsqueda de su padre, un científico que ha sido secuestrado por el malvado Dr. Cálico.El único problema es que los productores de la exitosa serie deciden engañar a Bolt, haciéndole creer que todo aquello vivido dentro de la trama de la serie, corresponde a su realidad.El giro llega precisamente cuando por una serie de sucesos, Bolt se pierde en una ciudad muy lejana a su hogar, razón por la cual emprenderá un viaje de regreso en busca no sólo de su casa sino de él mismo.

Al  enfrentar el mundo real, Bolt tendrá que aprender cómo asumir la vida siendo un perro normal, abstraído de cualquier poder o habilidad especial, más que su voluntad y esfuerzo.

Como es tradicional en esta clase de relatos, en el camino recorrido, Bolt encontrará a varios personajes; esta vez un gato callejero, un hámster sobrealimentado y unas despistadas palomas, personajes que tendrán como objetivo el ayudar al perro a recobrar el rumbo y significado perdido de su vida al enterarse de la verdad.

Esta película es una historia recreada por Disney, ya lejos de la exitosa dupla que conformó por varios años al lado de Pixar generando grandes éxitos de taquilla.

Disney parece haber aprendido de Pixar varias valiosas lecciones. La técnica usada en esta nueva película de animación es tan perfecta como sus predecesoras, haciendo un buen trabajo en los detalles y sutilezas, factores que al final son los que hacen creíble una película.

De la misma manera hacen buen uso del 3d, que parce estar de nuevo en boga, en una explosión de nuevas películas animadas y recreadas usando efectivamente esta técnica que cada vez parece perfeccionarse más.

Sin embargo,  y como es tradicional dentro del mundo animado de Disney, la historia de esta película está dirigida a un público infantil, a diferencia de aquellas producciones realizadas al lado de Pixar donde las historias parecían pensadas para un público más adulto, aún sin olvidarse de los niños. Bolt es una película sencilla, sin mayores pretenciones, que trata una historia muy común a esta clase de films y es precisamente por esta razón que en ocasiones puede parecer repetida.

Este es el caso del perro, personaje principal, quien está convencido de poseer aquellos maravillosos poderes que para él inventaron los creativos guionistas de la serie que protagoniza, hecho que fácilmente nos recuerda a ese Buzz Lightyear de la exitosa película Disney/Pixar “Toy Story” (1995), personaje que al igual que Bolt creía poseer habilidades especiales concedidas tan sólo dentro de una serie televisada donde él era protagonista.

De la misma manera los personajes que aparecen dentro de la trama parecen algo estereotipados, respondiendo a todo aquello que uno esperaría encontrar dentro de esta clase de películas, incluyendo todos los valores y enseñanzas que la historia pretende dejar para sus pequeños espectadores.

Por esta razón es que la película “Bolt” no parece presentar mayores aportes en cuanto a narrativa o guión, radicando su mayor logro precisamente en la técnica de animación y 3d, mundo tecnológico que ha mostrado grandes y rápidos avances hasta el punto de ser una herramienta indispensable a la hora de la realización de cualquier film en la actualidad.

BOLT

País: Estados Unidos

Año: 2008

Director: Chris Williams, Byron Howard

Guión: Dan Fogelman, Chris Williams

Reparto: John Travolta, Susie Essman, Mark Walton, Miley Cyrus

Productor: Clark Spencer, John Lasseter

Música: John Powell

Edición: Tim Mertens 

karate kid

jueves, noviembre 24, 2016

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K

Karate kid (John G. Avildsen, 1984), sería en su época una película de gran importancia reverenciada por miles de fanáticos adolescentes que crecieron con las enseñanzas de Mr. Miyagi (Pat Morita), con tal éxito en taquilla que generaría toda un franquicia que entregaría 3 películas más (Karate Kid 2, 1986; Karate Kid 3, 1989; The Next Karate Kid, 1994).

Por María Fernanda Espinosa
Karate kid (John G. Avildsen, 1984), sería en su época una película de gran importancia reverenciada por miles de fanáticos adolescentes que crecieron con las enseñanzas de Mr. Miyagi (Pat Morita), con tal éxito en taquilla que generaría toda un franquicia que entregaría 3 películas más (Karate Kid 2, 1986; Karate Kid 3, 1989; The Next Karate Kid, 1994).
En el 2010, en pleno auge de los remakes hollywoodenses, producto de una profunda crisis de guionistas que viene afectando por largo tiempo a la industria cinematográfica americana, surge esta nueva adaptación del clásico Karate Kid, esta vez dirigida por Harald Zwart (Agent Cody Banks,
2003; The Pink Panther 2, 2009), y protagonizada por Jackie Chan y Jaden Smith (The pursuit of happyness, 2006), hijo del también actor Will Smith quien hace las veces de productor en este filme.
Esta nueva versión ocurre en China donde Dre Parker y su madre Sherry (Taraji P. Henson) llegan con el fin de hacer una nueva vida. Allí, Dre no sólo tiene que adaptarse a una nueva cultura sino que tendrá que aprender a asumir su adolescencia con todos los problemas que ella implica, incluyendo la tenaz rivalidad con un joven de su edad que no cesa de golpearlo y humillarlo, con la violencia como su único medio de interacción, modo que ha aprendido de su maestro de Kung Fu quien establece como regla el no tener piedad ni compasión por el contrincante. Sin embargo, y en contraposición, Dre encontrará en su amigo y maestro Mr Han, las enseñanzas de un arte marcial que se practica con honor y no es busca de la venganza y la pelea.

Este remake cuenta con varios cambios de fondo que sin embargo no son aprovechados, dejando a la película como un mediocre filme, resultado que parece ser común dentro de los reencauches que en demasía parecen hacerse hoy en día. Así es como a diferencia de la película del 84 que se desarrollaba en territorio norteamericano, esta película tiene su contexto en el país chino exquisito en historia, tradiciones y que goza de una cultura contrastante con la occidental. Este hecho pudo convertirse en una metafórica base del conflicto interno que vive el personaje en su paso de niño a adolescente, al sentirse extraviado en medio de dos mundos, casi exiliado de todo lo que conoce. Sin embargo el contraste cultural queda en total omisión, así como las costumbres y tradiciones que se traducen en diversos eventos como festivales o incluso dentro de su arquitectura e historia y que en la película son mostrados casi al margen, siendo reducidos a simples anécdotas de las experiencias que el niño tiene dentro de su nueva vida.
De la misma forma es desperdiciado el contexto al marginar al Kung fu, arte marcial nacido en China y cargado de filosofía, no sólo de la pelea sino de la vida misma, a frases retóricas que son repetidas sin más por Mr. Han, maestro de Dre, interpretado por Jackie Chan en una actuación que, aunque aceptable, no es ni un mínimo reflejo de la caracterización que en su tiempo haría Pat Morita del apreciable Mr. Miyagi, personaje que todos los fanáticos del film recuerdan con nostalgia.
Las enseñanzas y técnicas del Kung Fu son presentadas tan sólo en secuencias musicalizadas que muestran el progreso del protagonista como peleador, recurso tan frecuentemente usado en Hollywood que por acto de repetición ya carece de toda emoción. Hay que anotar que a diferencia del primer filme, será el kung fu el arte marcial a exponer, lo que ha suscitado diversas críticas que han llevado a cambiar el nombre de la película a “Kung Fu Kid” para ser presentada en territorio oriental.
De la misma manera, dentro de esta historia hay un cambio sustancial de tono. La película de 1984 es presentada a un target adolescente, de manera que la trama se presenta como excusa para mostrar como Daniel Larusso, personaje protagonista, aprende a asumir su nueva adultez con una toma de decisión consciente y madura y que responde a propias convicciones. Este fondo es matizado por un conjunto de experiencias comunes a todo adolescente tal como el encuentro del primer amor, el enfrentamiento con compañeros, las vivencias escolares y el aprender a moverse como adulto dentro de un mundo agreste.

Así es como este film logró crear un proceso de identificación dentro del público adolescente haciendo de la película y sus posteriores secuelas todo un clásico. Sin embargo este nuevo filme ha sido despojado de este concepto mostrándonos una trama con un tono más infantil. Aunque el protagonista vive sustancialmente las mismas experiencias, las edades de los jóvenes que intervienen en la trama son menores, lo que no permite que la historia se desarrolle bajo el mismo concepto. Así es como se nos presenta extraño ver a Jackie Chan peleando con un grupo de niños, lo cual presumiría una ventaja injusta para el adulto, razón que nos despoja de la idea de una pelea entre iguales que poseía el primer filme. Así mismo, el final de la película transcurre de manera tan edulcorada que termina de inscribir al filme dentro del mundo infantil que sólo permite finales felices donde todo personaje, guiado por mágicas circunstancias se torna en bondad y entrega.

KARATE KID

País: Estados Unidos

Año: 2010

Director: Harald Zwart

Guión: Christopher Murphey

Reparto:Jackie Chan, Jaden Smith, Taraji P. Henson

Productor: Jerry Weintraub, Will Smith, Jada Pinkett Smith, James Lassiter, Ken Stovitz

Dirección de fotografía: Roger Pratt

Dirección de arte: Second Chan

Montaje: Joel Negron

Música: Michael Bauer

Rachel getting married

jueves, noviembre 24, 2016

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R

El director Jonathan Demme presenta su nueva película; “Rachel getting married”, film que  se desarrolla en medio de una reunión familiar que celebra el matrimonio entre Rachel y Sidney.Kim,personaje interpretado por Anne  Hathaway, es la hermana de la novia, quien acaba de regresar a su hogar después de un proceso de rehabilitación por drogas. El conflicto se produce al tener estas dos hermanas grandes diferencias de pensamiento y personalidad, siendo Rachel de carácter controlado y maduro al contrario de su hermana menor quién es impulsiva y con gran necesidad de ser el centro de atención.

Por: María Fernanda Espinosa

Imágenes: Cortesía Columbia

El director Jonathan Demme (“El silencio de los inocentes” (1991), “Philadelphia” (1993),), presenta su nueva película; “Rachel getting married”, film que  se desarrolla en medio de una reunión familiar que celebra el matrimonio entre Rachel y Sidney.

 
Kim,personaje interpretado por Anne  Hathaway, es la hermana de la novia, quien acaba de regresar a su hogar después de un proceso de rehabilitación por drogas. El conflicto se produce al tener estas dos hermanas grandes diferencias de pensamiento y personalidad, siendo Rachel de carácter controlado y maduro al contrario de su hermana menor quién es impulsiva y con gran necesidad de ser el centro de atención. 
Por esta razón, Rachel encuentra el regreso de Kim como un inconveniente ya que su ansia de tener bajo control todo lo que la organización del matrimonio implica es obstaculizado por la desconfianza que su hermana le genera, a causa de los antecedentes de conductas inapropiadas y desproporcionadas  que podrán impedir el tranquilo y feliz desarrollo del rito matrimonial. 

Anne Hathaway, quien en el último año ha realizado gran cantidad de interpretaciones en películas que abarcan diversos géneros, se destaca en este protagónico con la imagen de una joven perdida en un mundo de confusión, necesitada de orientación y guía para enrutar su vida.

Kym, a pesar de haber logrado permanecer varios meses alejada de las drogas, vive atormentada pro todo aquello que en su pasado pudo cometer, siendo incapaz de perdonarse sus errores, en especial por la muerte de  su pequeño hermano de la cual ella es responsable. De esta manera es como su mundo se ha convertido en una constante sensación de rechazo y desconfianza afianzado por el hecho de vivir casi a la sombra de su hermana, quien se presenta como un ser perfecto, libre de grandes defectos y quien goza de una vida estable con todos aquellos elementos que la sociedad juzga como factores de éxito tales como belleza, una carrera bien lograda y sustentada,  un trabajo estable y bien pago, un matrimonio próximo a realizarse y la felicidad de un recién anunciado embarazo.

De esta manera Kym parece verse relegada a ser la oveja negra de la familia; ese personaje del cual no se siente orgullo y que poco a poco ve perdido su lugar dentro de  una familia funcional. Hathaway logra imprimir en su personaje aquellos rasgos muy típicos de aquellos adictos que parecen debatirse en un circulo autodestructivo donde sus propias palabras y acciones denotan la desesperanza ante la incapacidad de poder pertenecer a lo que se pretende como “normal”.



RACHEL GETTING MARRIED
País: Estados Unidos
Año: 2008
Director: Jonathan Demme
Guión: Jenny Lumet
Reparto: Anne Hathaway, Rosemarie DeWitt, Bill Irwin, Debra Winger, Anna Deavere Smith
Productor: Jonathan Demme, Neda Armian, Marc E.Platt
Dirección de fotografía: Declan Quinn
Música: Zafer Tawil
Montaje: Tim Squyres
Premios: Anne  Hathaway, nominada al Oscar 2008 por mejor actriz

 

Bollywood

jueves, noviembre 24, 2016

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El primer referente obvio cuando se piensa en industria cinematográfica es el hollywoodense el cual no sólo deja dividendos millonarios cada año para todos los sectores a su alrededor, sino que además ha creado todo un sistema de estrellas y de estructuras bajo las cuales se mueve el cine en todo el mundo.

Por: María Fernanda Espinosa

El primer referente obvio cuando se piensa en industria cinematográfica es el hollywoodense el cual no sólo deja dividendos millonarios cada año para todos los sectores a su alrededor, sino que además ha creado todo un sistema de estrellas y de estructuras bajo las cuales se mueve el cine en todo el mundo.

Sin embargo, paralelo a esta industria existe aquella del cine realizado en la india, la cual es la segunda industria cinematográfica más rentable después de la de Estados Unidos. Comunmente, a esta se le conoce como “Bollywood” abarcando en este nombre todo aquel cine realizado en la lengua hindi, oficial de india, aunque las películas son traducidas a los otros dialectos tradicionales del país, e incluso muchas de ellas se hacen originalmente en estas lenguas.

El particular término nació durante la década de los 70’s aludiendo a una mezcla entre el nombre de la capital india Bombay (actualmente Mumbai) y la meca del cine estadounidense: Hollywood. De esa manera y gracias a la gran maquinaria bollywodense, india se ha convertido en el país donde más gente asiste a las salas de cine, en un promedio de 3 a 5 películas vistas por semana por cada persona. Estas cifras, para nada despreciables, se deben a que el cine de Bollywood ha logrado  acceder a una clara identificación con su público tocando temas muy cercanos a ellos y ofreciéndoles historias atractivas en cada film. Así es como el país indio reclama ver en cada película diferentes géneros que pasan por el romance, la acción y el suspenso, como una mezcla efectista aplicada a cada historia. De la misma manera es ya tradicional que, en el grueso de sus películas haya una historia de amor y por supuesto un final feliz para sus protagonistas. Este fenómeno se presenta ya que la población india no goza de grandes recursos y el cine es tomado por las familias de bajos estratos como el entretenimiento familiar por excelencia, ya que además implica bajos costos, pues el  compromiso de las salas de exhibición es no llevar precios muy altos a sus consumidores.

Así es como en cada film se puede ver exquisitamente reflejada la cultura india ya que en las cintas están representadas diversas facetas de su cultura incluyendo escenarios, vestidos característicos tradicionales y, lo más importante, el uso de su música particular. Por ello no es de extrañar que en la mayor parte de las películas se presente un número musical donde se muestran elaboradas coreografías impregnadas de color y ritmo. Las bandas sonoras derivadas de la película alcanzan tanta importancia que incluso algunas de ellas se usan como gancho para publicitar la película, lanzándolas antes del  estreno del film.

Sin embargo a pesar de que los indios tienen una clara preferencia por su cine nacional, no son indiferentes a la gran industria norteamericana que cada temporada tiene lanzamientos masivos y de carácter mundial con cintas de grandes y espectaculares presupuestos. La respuesta de Bollywood a este fenómeno ha sido, desde su perspectiva y métodos de producción particulares, hacer remakes de estas grandes cintas estadounidenses, acomodándolos a su presupuesto y por supuesto a su cultura. Sin embargo, de aquí han surgido grandes polémicas pues es bien conocido que los reencauches bollywoodenses son una copia casi al carbón de las películas originales, lo que ha significado demandas y enfrentamientos con productoras, ya que Bollywood  realiza las películas sin antes adquirir los derechos sobre las mismas. 

De esta manera, y en el mismo pensamiento de equipararse a la industria norteamericana, Bollywood tiene su propia “alfombra roja” en un evento que condecora a sus principales exponentes y realizaciones, en una entrega de premios al mejor estilo de los “Oscar”. Se trata de los premios Filmfare, que debe su nombre a la publicación de cine más prestigiosa de la india y quien es precisamente la firma patrocinadora del evento. Esta premiación contiene un carácter más social, ya que implica toda aquella parafernalia publicitaria y de promoción de la farándula india. Por ello se enfatiza en premiar exclusivamente aquellos filmes producidos dentro de la región india y que son votados por el público que asiste masivamente a las salas. El evento es concebido como un espectáculo, en donde además de la entrega de galardones se exhiben coreografías y bailes protagonizados por las máximas y más populares estrellas del momento, en un show lleno de luces y efectos visuales. Paralelo a esta ceremonia se realiza el National Film Awards que quizás sea el festival más importante del país, producido por las instancias culturales que el gobierno ha destinado y que se caracteriza por realizar muestras de los filmes indios de mayor contenido y calidad artísticos, que son votados por miembros de la crítica especializada. Curiosamente estos dos eventos nacieron en el mismo año de 1954, dando así fe del afán del país indio por convertirse en potencia en cuanto a industria cinematográfica se refiere.

Deliverance

miércoles, septiembre 21, 2016

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Clásico

Somos tan ignorantes de la intrincada dimensión de nuestra propia naturaleza, de nuestro ser instintivo y animal; nos cubrimos de velos que llamamos valores, moralidad, virtudes, sin atrevernos a reconocer que estos son una mera distracción evasiva de nuestro verdadero carácter. Nuestro animal interno.

Por: María Fernanda Espinosa

Somos tan ignorantes de la intrincada dimensión de nuestra propia naturaleza, de nuestro ser instintivo y animal; nos cubrimos de velos que llamamos valores, moralidad, virtudes, sin atrevernos a reconocer que estos son una mera distracción evasiva de nuestro verdadero carácter. Nuestro animal interno.

La película “Defensa” (Deliverance, 1972) nos ubica justo en aquel momento en que una situación extrema que pone en riesgo la propia supervivencia, nos devuelve a ese ser primario que tiene como único objetivo la vida, a costa de lo que sea.

Ed (Jon Voight), Lewis (Burt Reynolds), Bobby (Ned Beatty) y Drew  (Ronny Cox), son un grupo de amigos que deciden atravesar el rio Cahulawassee (lugar creado para el libro que esta película adapta), como única oportunidad de enfrentarse a sus peligrosos rápidos, ya que en poco tiempo el pueblo a su rivera, construirá un dique que acabará en definitiva con el lecho del río, inundando además todo el sector, lo que de paso ha de acabar con la población que no tiene más remedio que trasladarse a una nueva ubicación.

Este es el contexto en el que nos ubica la película del director inglés John Boorman (Point black, 1967; Hope and Glory, 1987), como adaptación de la novela de James Dickey;  un pueblo exiliado a causa de las consecuencias de esa sobrevalorada modernidad, que suele asentarse en una colonización forzosa e imparable, arrancando las raíces de ese hábitat que ha prosperado allí por derecho propio.

Así es como los 4 hombres emprenderán su viaje de aventura, buscando no solo una experiencia de cercanía directa con la naturaleza, sino con su propia fuerza. Sin embargo las cosas salen de su cauce normal en el momento en que dos de ellos se separan del grupo, siendo interceptados por dos lugareños de violento carácter, quienes los atacan y roban, mientras uno de ellos abusa sexualmente de Bobby. Tras el ataque, los dos hombres son encontrados por sus compañeros y en un acto que parece provenir más de la venganza que del instinto de supervivencia, Lewis asesina fría y cruelmente  a uno de los atacantes haciendo uso de su ballesta. Sin embargo, el segundo hombre logra emprender huida cerniendo así la amenaza del acecho sobre el grupo de viajeros, quienes deciden no denunciar el hecho, sino tomar partido por propia mano de lo sucedido. De esta manera víctimas y victimario se involucran en una mutua cacería donde, según las leyes propias de la naturaleza intrínseca a todos, sólo sobrevivirá el más apto.

Defensa logra con maestría explorar el lado más animal de un humano, ese resquicio de instintos en ebullición, aquel lado incontrolado que permanece callado y latente en nuestro ser inconsciente y que insistimos en velar con esa educación moral que obliga la vida en sociedad pero  que está presto a saltar a la luz, evidenciándonos animales hambrientos, ávidos, temerosos, grotescos en nuestra bestialidad. El uso del contexto natural se presenta como perfecta metáfora del instinto humano en una historia que parece repetir “no te metas conmigo si no quieres despertar a la bestia”, casi como una respuesta natural, karmica, que busca equilibrio en la naturaleza cuando esta es violentada. El pueblo está a punto de ser arrasado por las máquinas, desterrado de su  devenir natural y tal como Bobby observará más adelante a través de una ventana, son los cadáveres los que se remueven, los esqueletos ocultos en la alacena, todo lo que está enterrado, lo que subyace. Ese carácter que verdaderamente nos define pero que negamos como queriendo escapar de esa naturaleza que somos. 

Estos hombres fueron puestos en una situación de vida o muerte y es allí donde el instinto acude a favor de la supervivencia. La naturaleza hace uso de sorprendente fuerza y habilidades provenientes del ser atávico dormido en cada humano y que solo se harán evidentes en una situación de peligro cuando ese ser primigenio se sienta amenazado.

Finalmente, y cuando solo 3 de ellos sobrevivan a esta experiencia, saldrán de ese pueblo agónico, cargando no solo el peso de varias muertes, sino de esa verdad revelada que no tendrán más remedio que esconder, esperando nunca ser descubierta, en pro de lograr la venia de esa comunidad que los espera de vuelta, pero solo bajo la norma de acatar fielmente esas reglas del juego de la “civilización”.

DELIVERANCE

País: USA

Año: 1972

Director: John Boorman

Guión: James Dickey

Reparto: Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty

Productor: John Boorman

Dirección de fotografía: Vilmos Zsigmond

Dirección de arte: Fred Harpman

Montaje: Tom Priestley

Nominada a 3 Oscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Montaje 

  DELIVERANCE - DUELING BANJOS

 

Notas y apuntes sobre Phase IV

miércoles, septiembre 21, 2016

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Notas y apuntes sobre "Arrival"

miércoles, septiembre 21, 2016

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